Часть 1 (XIII – XIX вв.)

Человек - венец природы. Прах на подошвах создателя. Г ений не подвластен обществу. Маленький человек - в каждом есть прекрасное. Кто виноват?

Начало этой истории находится в середине развития человеческого сознания, вернее на глобальном переломе мышления, на переходном этапе культурологической мысли всего гуманитарного развития не только европейского общества, но и всей цивилизации.
Итак, в XIII веке произошёл перелом в сознании европейцев: можно считать, что закончилась эпоха мифологического сознания, характеризующаяся метафизическими представлениями о мире и возникла новая формация – эпоха рационально-логического сознания. Перед искусством была поставлена новая сверхзадача – как можно более точно изобразить видимый мир.
Считается, что у истоков стоял Данте с его великой поэмой «Божественная комедия», в живописи признанным новатором является прославленный итальянский художник Джотто. Это ярчайшие представители предтечи эпохи Ренессанса, именуемой – Проторенессанс.
В эпоху Ренессанса представления о мироустройстве было весьма оригинально. Считалось, что земля находится в центре вселенной, и вокруг неё вращается солнце. А человек – центр вселенной, царь природы, венец творения. Человек прекрасен и всё окружающее должно быть великолепным, как в прекрасном саду, а убогое и отвратительное не имеет права даже рядом находиться с ним.
Художники, воодушевлённые свежими идеями, с великим энтузиазмом осваивали новые методы изображения действительности, впервые появилась прямая перспектива, взамен обратной - великое открытие того времени, углубленно изучалась анатомия человека, с упорством подлинных учёных они проникали в физические явления природы. Понятия художник и учёный были синонимами и практически не отличались друг от друга.
Проторенессанс, квадроченто - ранний ренессанс, высокий ренессанс, поздний ренессанс, маньеризм – это периоды, называемого сегодня – Ренессансом, который продолжался более 300 лет. Это эпоха торжества прекрасного, сильного, всё побеждающего Человека с большой буквы, не признающего ничего убогого, слабого и отвратительного. Но..!

Но всё хорошее когда-нибудь кончается, зачастую весьма неожиданно. Идиллию нарушило, как ни странно, великое открытие, положившее основу нового миропорядка, вошедшего в историю, как Галилео-ньютоновская система мира. Оказалось, что не солнце движется вокруг земли, а земля – вокруг солнца, а солнце, всего лишь далеко не самая большая звёздочка в бесконечно-громадном чёрном ящике пространства. Что уж тут говорить о человечке – это пыль на подошвах создателя, песок, муравей, за жизнь которого нельзя дать и гроша. О каком величии можно говорить, где вы увидели царя природы, какой такой венец творения? Человек виновен уж потому, что родился, так как зачат во грехе. Лишь душа его имеет какие-то, очень ничтожные, мизерные шансы попасть в рай. Но для этого душа должна трудиться, должна очиститься от ненавистного, погрязшего в нечистотах тела. А если не хватит сил, то ей поможет святая инквизиция, только святая инквизиция способна помочь душе спастись, так как слаб и ничтожен человек. И если тело не внемлет гласу всевышнего, то пламя возмездия настигнет его ещё на земле, чтобы освобождённая душа вознеслась на небеса вместе с дымом костра святой инквизиции. Человек – это прах, самая ничтожная частичка великого и страшно-громадного, чёрного пространства. В котором Господь Бог, иногда, исключительно по величайшей милости высвечивает тот или иной уголок своего мрачного и гигантского творения, больше похожего на невиданных размеров гроб, чем на цветущий сад.
Так началась новая великая эпоха в искусстве – Барокко. Глубокий чёрный фон на картинах и одинокая свеча, освещающая лишь часть лица, холодно сияющего среди тусклых контуров мрачной обстановки, пропадающей в тёмноте враждебного пространства.
На арену искусства вышел новый тип художника. Великий Караваджо, стоявший у истоков Барокко, в картинах своих, впрочем, как и в жизни отличался необузданной энергией. Он несколько раз дрался на дуэлях и сидел в тюрьмах. Караваджо осмелился отказаться от того, что было создано до него. Бунтарь-новатор совершил переворот в живописи. Гениальность - это счастье для духа, но зачастую драма в обычной жизни, многим современникам казались вульгарными его картины, а некоторые шедевры были отвергнуты заказчиками за потрясение традиций и благопристойности. Но оригинальность картин, их несомненные художественные достоинства влекли к себе наиболее образованных и понимающих толк в искусстве римских меценатов.
Эпоха Барокко властвовала свыше150 лет и дала миру много великих имён от Короваджо до Креспи и Рембрандта, последние особое внимание уделяли разработке и детализации чёрного фона, находя в нём утончённую красоту.

В обществе зрели изменения... Да, человек прах и ничтожество, но есть же герои, великие умы и провидцы! Гении, которых сам Бог отметил своим перстом, приблизил к себе, поднял над тупой толпой. Они не подвластны мнениям мелких людишек, не подотчетны обществу, потому что кроме презрения толпа ничего другого не достойна. Они разорвали замкнутый круг убогих суждений, отряхнули пыль с подошв и идут своим особым путем чистым и прекрасным, и только Бог им судья.
Но героизм, как и красота требует жертв, и не только из-за слепоты и глухоты общества, но и из-за преждевременного божественного дара. Настоящее безжалостно и к прошедшему и к будущему времени, и, зачастую, будущая слава с горечью прошлого. На жертвенный алтарь попал и великий русский ученый Н. И. Лобачевский (1792-1856), открытие которого свои права предъявило намного позже, и не мудрено – он вздумал опровергать «пятый постулат геометрии Евклида».
В картинах стало властвовать напряжение сверхчеловеческих страстей, Вздыбленные кони, удерживаемые твёрдой рукой лихого всадника, на фоне грозового неба. Неимоверные страдания и исступленные крики последней надежды, гибнущих, после кораблекрушения на картине Теодора Жерико «Плот медузы». Страстный порыв парижанки, устремленный к свободе, на картине Эжена Делакруа «Свобода на баррикадах»  стал символом всей Франции. Героические поступки в экстремальных  ситуациях (человеческий экстрим) – вот принципы эпохи Романтизма (100 лет), эпохи великой французской революций.

…Но, и ещё раз но, если повнимательней присмотреться ко всем этим незаметным людям: крестьянам и горожанам, тихо копошащихся в своих скромных жилищах, любящих свою семью, честных со своими соседями, то можно обнаружить в каждом из них прекрасное, тихое человеческое счастье, которое, может быть, даже и не доступно очень многим богатым и великим. Общечеловеческие ценности стали исподтишка пощипывать душу общества, заглядывать в самые потаенные её уголки. ..."Призрак бродит по Европе - призрак коммунизма", точнее не скажешь.
Поэзия скромной детали, обычного и повседневного быта, тихого уголка природы, заворожила художников. Так утверждалась эпоха Реализма (40 лет). Эпоха маленького человека, который сам того не подозревая, стал идеалом. ( В России наиболее сильно эти идеи выразили «Передвижники»). Обострённое внимание к детали, к краткому моменту жизни породило ещё одно удивительное явление в мировой живописи – Импрессионизм (от франц. impression - впечатление).
Клод Монэ, чтобы схватить впечатление писал пейзажи на открытом воздухе, причем приходил на место обязательно в то же самое время каждого дня, пока не заканчивал картину.
Французское официальное искусство и его академической форме трещало по швам. Беспредельная власть и произвол Академии настолько стала возмущать общество, что потребовалось вмешательство самого императора Наполеона III. «Император получил многочисленные жалобы в отношении произведений искусства, отвергнутых жюри Салона. Его Величество, желая дать возможность общественности прийти к собственному заключению о правомерности этих жалоб, решил, что отвергнутые произведения будут выставлены напоказ в другой части Дворца Индустрии». Неофициально новую выставку окрестили «Салоном Отверженных» (фр. Salon des Refusés).
«Салон отверженных» 1863 года стал сенсацией. Среди отверженных выставлялся и Поль Сезанн – в будущем непререкаемый авторитет Постимпрессионизма.

Сезанн, Ван Гог, Гоген, Тулуз-Лотрек – выдающимся художники Постимпрессионизма. «Постимпрессионисты - те, которые пришли после», разрозненные одиночки, блуждающие звёзды в неведомом настоящем, да и в туманном будущем.
К этому времени неимоверно возросло значение дагерротипии, то есть фотографии (открытой ещё в 1839 году), что привело в смятение художников. Стали раздаваться голоса, что фотография полностью заменит живопись, и художники уже будут не нужны, что, мол, кончилось их время. Художники, как мы видим, не исчезли, а вот эпохальную точку фотография поставила. Вместе с изобретением фотоаппарата закончился целый период в мировой культуре, была выполнена программа, поставленная ещё во времена Ренессанса: теперь человечество может очень точно отобразить видимую действительность.
Пристальное изучение различных слоёв общества заставило призадуматься, почему так много горя и несправедливости в этом мире, ведь каждый человек достоин счастья. Почему возникает преступность, разврат, подлость?. Откуда падение нравов. Что мешает развиться в человеке доброму и хорошему? Ведь доброе и хорошее есть в каждом человеке. Кто виноват? Вердикт был вынесен жесткий – виновато общество! В результате вновь ожила гильотина революций. А «призрак коммунизма» начал материализоваться в палача.

Не только фотография и идеи об общественном несовершенстве приводили в смятение общество конца XIX века. В 1898 году научный мир на своей конференции утверждал, что ещё немного, ещё одно усилие научной мысли и они окончательно поймут как устроен мир, осталось нанести ещё несколько штрихов для завершения полной картины мира. Но не тут то было, в 1900 году физик Планк открыл удивительный феномен, он доказал, что волна одновременно является и частицей "квант действия". До сих пор это трудно представить, что уж говорить о том времени. Все были в смятении, привычная картина мира распалась на глазах. Казавшиеся непоколебимыми законы природы рухнули. В умах сумбур и растерянность.

Так начался XX век, а вместе с ним и новая культура.

 

 

 

 

 

Разъяснения по поводу некоторых формаций, которые иногда причисляются к эпохам и коими они не являются, это:

Рококо (от франц. rocaille — раковина, изделие из ракушек) 20-50 г. XVIII века.
Как формация Рококо не составляет новой эпохи, а является последним фазисом Барокко. Кто-то метко пошутил: Рококо – Барокко без костей. Рококо возникло не во всех странах, более всего присуще Франции, и некоторым крупным центрам Германии,  насаждавшимся курфюрстами и кайзерами Саксонии, Австрии, Пруссии.
Вакханалия придворной жизни, галантное празднество (гламур восемнадцатого века) – вот основа философии этой формации. Ярчайшим представителем был Франсуа Буше (Boucher, Francois) (1703-1770), который довёл, как говорят злые языки, живопись до парфюмерии. И ещё одно бессмертное выражение, характеризующее это время - «После нас хоть потоп», сказанное то ли маркизой Помпадур, то ли регентом Филиппом Орлеанским, то ли самим королём Франции Людовиком XV (1710-1774).

Классицизм – направление, признающее высшим образцом античное искусство.
В эпоху Барокко общество будоражила проблема форм познания мира. Выявились два противоположных и борющихся между собой направления: сенсуализм и рационализм, одни признавали главным чувство, другие – разум. Рационализм называют классицизмом 17 века (барокковский классицизм), наиболее видным художником был  Николя? Пуссе?н (фр. Nicolas Poussin, 1594-1665). Другой полюс представлял Питер Пауль Рубенс (Rubens, Peter Paul, 1577-1640). Барокковский классицизм считается вторым изданием классицизма (античности). Третье издание классицизма состоялось в начале 19 века в под знаменем знаменитой борьбы классицистов (Энгр) и романтиков (Жерико, Делакруа). Проблематика её крайне запутана, что выразилось в двойственности определений каждой стороны: классический романтизм и романтический классицизм.
Итак, Классицизм, формация в искусстве, которая проходит через несколько эпох, и является одним из полюсов сознания каждой эпохи. Это состояние, в той или иной форме, докатилось и до нашего времени, например: актуальное и классическое направления в современном искусстве, или постоянные проблемы меду салоном и авангардом.

Ампир (от фр. empire — империя).
Как формация Ампир не составляет новой эпохи, а относится к эпохе Романтизма и тесно связан с Великой французской революцией (1789 – 1804). Ампир — стиль в архитектуре и искусстве (главным образом декоративном) трёх первых десятилетий XIX века, ориентирующийся на образцы античного искусства, черпая из него мотивы величественной мощи и воинской силы (ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, орлы и другая военная эмблематика).
Ампир получил самобытные национальные черты в Великобритании, Дании, Италии; в России и в Германии.

Справка:
Данте Алигьери (Dante Alighieri, 1265 г. - 1321г.) - итальянский поэт.
Караваджо Микеланджело Меризи да (Caravaggio, Michelangelo Merisi da, 1571-1610 гг.), итальянский живописец.
Жан Огюст Доминик Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres, 1780-1867).
Жан Луи Андре Теодор Жерико (Gericault, Jean Louis Andre Theodore, 1791–1824), французский живописец.
Фердинан Виктор Эжен Делакруа (Ferdinand Victor Eugène Delacroix, 1798-1863), французский живописец.
Поль Сезанн (Cézanne, Paul, 1839-1906).
Клод Монэ (Monet, Claude Oscar, 1840-1926).
Гоген Поль (Gauguin, Paul, 1848-1903 гг.), французский живописец.
Ван Гог Винсент (Gogh, Vincent van, 1853-1890), голландский художник.
Тулуз-Лотрек Анри де (Toulouse-Lautrec, Henri de, 1864-1901), французский живописец.
Макс Планк, (Planck, Max) (1858-1947), немецкий физик-теоретик.

 

Часть 2 (XX век)

Время разбрасывать камни...

Рельсы истории сомкнулись как параллельные прямые Лобачевского в одной точке, а колёса поезда массового общественного сознания остались прежними.  Вот когда вступила в свои права неевклидова геометрия, открытая Лобачевским – Больяи –  Гауссом ещё в далёкие времена романтизма. Она проявилась не только в науке, но и скрыто в общественном мироощущении. Правда, общество не осознало и не поняло это, но зато в полной мере ощутило на своей шкуре все прелести отрицательной кривизны поверхности нового социума. Многое скатилось в пропасть. Потребовалась невероятная эквилибристика всей современной цивилизации, что бы хоть как-то удержаться, подобно «Девочка на шаре» (1905) на картине великого Пикассо, а не рухнув, разбиться насмерть. Удивительно, но в век передовой науки и техники, всем существом устремлённого в будущее и молящегося на светлое будущее, в этом суперноваторском веке тени прошлого и великие возрождённые мертвецы играли неимоверно большую роль. Новое, взращённое на прошлом, в котором неожиданно проявился почти культ смерти и разрушения, безжалостно пожирало своих создателей. Ужасающие войны и революции непрестанно потрясали целые континенты. Даже своих многих великих современников общество признавало лишь после смерти («великий художник – мёртвый художник»). Конечно, обычным людям, в силу своей малости, казалось, что они стоят на твёрдой и ровной поверхности, но тем непонятней и страшнее для них становилась реальность, когда их, собранных вкупе, целыми народами, которые уже принимали необходимо-большие величины, волокло по искривлённой действительности в пропасть и там перемалывало в бесчеловечной мясорубке. Но в тоже время, та же, но уже вздыбленная волна поднимала до космических высот величие человеческого духа и мысли, создавая невиданную доселе цивилизацию.

Физик Планк отпустил тормоза, и понеслось: 1905 год – Специальная теория относительности и в 1916 году полная теория относительности Эйнштейна, техническая революция с её невероятными изобретениями и т.д., и т.д.
Художники не отставали. Можно сказать, что даже мстили старому искусству за несостоятельность, что оно спасовало перед открытиями Нового времени. Стали возникать множество различных групп и объединений с манифестами и программами, декларирующие на разные лады одну и ту же идею - расправа с прошлым: «разрушим старый мир», «старое искусство на свалку истории» и т.д. А открывшаяся в 1906 г. выставка африканской скульптуры раздолбила европейское художественное сознание даже не на осколки, а на какие-то бесформенные кусочки и развеяла их в тумане неизвестности. Фундаментальные достижения всех художественных эпох, от Ренессанса до Реализма, которые считались непоколебимыми, в 20 веке были сброшены с пьедесталов и в лучшем случае оставлены в истории, как частные примеры. В архив были списаны и прямая перспектива, и классическая пластика, и анатомические пропорции, и даже всякая изобразительность, включая отказ от видимой действительности.

Изменилась сама структура движения искусства. Возник новый механизм, новая категория Нового времени – Направления.  Искусство обновлялось через дискуссии, через вербальные системы, которые подмяли визуальные. Вырабатывается мнение, что без декларации нет направления, следовательно, нет произведения. Возникновение всё новых и новых направлений, конфликтующих и вступающих в борьбу друг с другом, полностью отрицающие, но не могущие вытеснить друг друга, и которые могли свободно сосуществовать одновременно друг с другом, крайне дезориентировало общество. Образовался разрыв сознания массы и знатоков (вавилонское столпотворение), следовательно, отчуждение личности.
Появилась новая вершительница судеб – «Мода», инструмент внушения определённым слоям, что новое направление интересней, чем другие течения. В результате, некоторые новомодные направления с небывалой страстью и скоростью прогрызли дверь в историю и на удивление многих не обломали свои новые молочные зубы о стальные засовы фундаментального искусства. Ох! Как прав был один, очень не популярный ныне философ - «В будущем человечество будет страдать глупостью и идиотизмом в таких размерах, каких мир не видел» - К. Маркс.

Сотрясение мозга общества, полученного от удара кувалдой перемен, выбили из глаз искры гениальности. Искры были экзальтацией цвета у новейшего направления живописи под  именем Фовизм (от фр. fauve - дикий). Живопись А. Матисса, А. Марке, А. Дерена, Р. Дюфи, Ж. Руо, М. Вламинка. на парижской выставке 1905 года подавляла и даже давила зрителя, исходящим от картин ощущением энергии и страсти. Стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета завораживала людей. Ритм, как барабан диких племен, объединяя пространство и объём, заставляя зрителя внутренне содрогаться в такт, пока еще не известной для него силе.
Культуру накрыла страшная волна цунами, разрушалось всё. Одни считали себя санитарами искусства, напропалую уничтожая всё на своём пути. Другим, ради, познания внутренней структуры того же искусства, захотелось посмотреть что там под кожей, вытащить из груди сердце и ощутить в своих руках его биение, именно эти «хирурги» создали мощнейшее направление – Кубизм (1908 ~ 1918). Вопросы! Как же строится этот мир? Как возникает форма? - бурили художественное сознание. Художники задумали дать некий концентрат форм, конструкций, сжать их до символа, совместить различные аспекты и показать логику формы через знак. И первым средь великих был Пабло Пикассо со своей картиной «Авиньонские женщины» 1907 г., созданной под влиянием африканского искусства.

А чуть позже, итальянец Т. Ф. Маринетти в парижской газете «Фигаро» от 20 февраля 1909 в Манифесте футуризма завил: «Самые старые среди нас – тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придет новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора». В манифесте отрицались все духовно-культурные ценности прошлого. «У нас нет жизни, а есть только одни воспоминания о более славном прошлом… Мы живем в великолепном саркофаге, в котором плотно привинчена крышка, чтобы не проник свежий воздух». Футуристы вожделели вырезать «раковую опухоль» старой культуры ножом техницизма и последних достижений науки. Очистить мир от «рухляди» в войнах и революциях. «Война – единственная гигиена мира». Именно с футуризма начинается тенденция последовательного выхода художника за пределы искусства. Футуризм (итал. futurismo от лат. futurum – будущее) – авангардистское художественное течение 1910-х – начала 1920-х годов, родина футуризма Италия и Россия. Программой российского футуризма, стали манифесты, из сборника «Пощёчина общественному вкусу» (1912): «Только мы – лицо нашего Времени… Сбросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с Парохода современности…» и другие крутые слоганы, как теперь бы назвали изыски футуристов, – «железобетонные поэмы», «Дохлая луна», «слово-запах», до сих пор будоражат наше сознание. Русские футуристы приветствовали Октябрьскую революцию как разрушение старого мира и шаг в будущее. История российского футуризма завершается вначале 1920-х, когда большинство его участников вошли в ЛЕФ (Левый Фронт Искусств).

И тогда же в 1910-1911 годах появился на свет Абстракционизм. Художники-мыслители попытались, как страус засунуть голову поглубже в песок, раскрыть там пошире глаза и заглянуть в самого себя, чтобы увидеть изнутри своё великолепное «Я», как единую частицу мироздания. Потому что всё это так называемое видимое, что находится наверху, всего лишь слабые и мимолетные срезы тектонических структур ноосферы (греч. nous - разум и sphaira - шар) земли, а то и самой вселенной. Жаль только, что песок стал засорять глаза и вызывать неуместные слёзы. Но всё же, это был подвиг первопроходцев, и не важно, что плыл в Индию, заблудился, и открыл Америку. Ведь история сказала «Да». Этой новой обетованной землёй, новой Америкой стал Дизайн, пока всего лишь крохотные, почти незаметные лепестки появились на поверхности, как раз на том самом месте, где пролились под землей и ушли в песок художественные слёзы. И как по Библии, слегка перефразируя её, «до сих пор все знали живопись, но родился новый Царь, который не знал живопись». И уже совсем скоро, Дизайн со своей царицей Модой взойдёт на престол и будет править балом.

А  пока возбуждение только нарастало. В 1915 году в Санкт-Петербурге, открылась футуристическая выставка «0,10». Манифест выставки - свести все предметные формы к «нулю», а потом «шагнуть за нуль» (в беспредметность). Концепт сконцентрировался в серии картин Малевича «Супрематизм живописи», слово «супрематизм» означает первенство (то есть главенство) цветовой проблемы. Больше всего шума наделала картина «Чёрный квадрат». Его  окрестили «иконой, которую футуристы предлагают взамен мадонн и бесстыжих Венер». Полотно висело в особом месте, в углу, - действительно, как икона. Отклонения от чистой геометрии указывали, что картина написана кистью, без циркуля и линейки. «Ощущение, что, стоя перед "Чёрным квадратом", мы стоим перед бездной, недаром не покидало многих, кто видел эту картину». Казалась, что находишься как бы на пограничной полосе - между искусством и не искусством, между логикой и алогизмом, бытием и небытием, между крайней простотой и беспредельной сложностью. Казимир Малевич заявлял, что на «Чёрном квадрате» искусство заканчивается, что его картина и есть вершина и конец всякого искусства. Он даже написал брошюру «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». Как ни странно, Малевич был не так далёк от истины, как может показаться на первый взгляд, потому что нельзя переоценить вклад супрематизма на промышленную эстетику. Во всём, от грандиозных зданий до изысканных авторучек, в том или ином виде присутствуют идеи чёрного квадрата. Именно идеи, а не одна мысль, потому что это не квадрат в строгом смысле слова, сделан без циркуля и линейки, а лишь вечное стремление к квадрату, глаз постоянно пытается завершить, достроить его и не может это сделать. Квадрат в последний момент вновь и вновь ускользает, как бы зло играет с тобой, ты начинаешь сердиться, потом злиться, и в конечном счёте падаешь в пропасть или взлетаешь в некуда.

В 1918 году группа «ДаДа» на международной выставке представила Унитаз, как художественное произведение. Общество восприняло это как «пощёчину общественному вкусу», возмущению не было предела. Но что примечательно, когда тот же унитаз был экспонирован в 60-ые годы под эгидой «ПопАрт» он прозвучал как обвинение обществу: «Господа, унитаз – подлинный Ваш портрет, потому что Вам, кроме как пожрать и минус-пожрать ничего не надо. Это – ваша сущность!». История с унитазом продолжалась и позже, в 80-ые годы в общественных туалетах художники выставляли свои картины, а в нынешнее время количество доступных квартир с роскошными туалетами является показателем развития государства. Поздний «ПопАрт» ознаменовал Энди Уорхол (Warhol, Andy) (1928–1987), американский художник, скульптор, дизайнер, кинорежиссёр, издатель журналов, писатель, коллекционер, продюсер. Его работы стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха «ПопАрт». Он был воплощением массовой культуры со всей её банальностью и откровенным потребительством. «Успех в бизнесе — самый интересный вид искусства», «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать», заявлял Уорхол. Отказ от кисти и холста - лозунг искусства XX века расцвёл и засиял вовсю силу на знамени массовой культуры… Компьютеру не нужна кисть живописца…

(продолжение следует)